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• 作者：Echo 发布时间：2011-02-23 23:11:30

  翻译版太深奥了....

• 作者：小R 发布时间：2020-08-06 11:03:48

  诶 不是我理想中的 方向以及介绍方式。

• 作者：GINI 发布时间：2020-11-07 18:00:21

  超级温暖的绘本！！老家在南方的人更能体会到绘本中弄堂、老街、老铺、老房子、以及种种细节的熟悉感。我仿佛和小美一起回到了自己的家乡，又一次看到了太奶奶院子里那棵熟悉的老树。童年一去不复返，令人非常伤感。

• 作者：秦南秦 发布时间：2019-11-02 09:12:54

  无公害书籍，视频演讲的文字版，相当的口语化，考研的看完全本涨涨经验，不考的就当看前半本图个新鲜。2.5星

• 作者：董点先森 发布时间：2021-02-27 13:46:40

  看目录就足以

• 作者：沙砾 发布时间：2022-12-09 22:29:53

  非常有启发

  非常经典

  值得反复阅读

• 胡思乱想

  作者：减卐肥™ 发布时间：2010-02-23 16:33:44

      科幻小说接触的不多，雪莱的《弗兰肯斯坦》读过，但没什么感觉；知道爱伦-坡有过类似的探索；知道凡尔纳的各种奇妙的旅行；知道阿西莫夫和他的机器人，但具体内容却一直没有详细看过。

    至于这部《时间机器》，我看到名字首先想到的却是《时间飞船》，或者叫《小双侠》。当然两者完全不是一回事，这本比较严肃的小说里面也不可能有尤里大姐和她手下的活宝。

    评分的时候我多少犹豫了一下，因为匆匆看完，很难判断到底应该打几分，但是犹豫了一下后我还是给了五颗星。理由很简单，这本书除了故事本身以外留给了我很多值得思考的问题。

    英国的作家（男作家）有一个很大的特色，就是在小说中有意或无意中加入很多对于社会的思考。狄更斯、乔治奥威尔、威尔斯都是如此。而且威尔斯在书中对于未来的思考还确实是发人深省。

    凡尔纳小说中对于未来的思考在于很多异想天开的想法和机器，同时他的很多想法都被社会的发展所证实。而威尔斯的奇思妙想更多的是对于人类生存问题以及宇宙宏观的哲学问题的探索。虽然威尔斯的很多说法让人觉得太遥远太天马行空，但是有逻辑的角度出发又却是有发生的可能性。

    书中描写的遥远未来我们既不可能见到，也无法想象，但是从逻辑上出发，他故事中人类社会所具备的问题是绝对有可能发生的。这让我不禁会想共产主义这个设想到底何不合理，而世界真正达到共产主义又会是怎样的局面。

    据我所了解的关于共产主义的概念，社会发展到共产主义后是没有国家这个概念的，而世界上不同国家的发展水平不同，欧美国家又怎么可能和非洲同时完成共产主义的进化呢？因此即便发达国家达到了共产主义，那肯定还是有没达到共产主义的国家，那共产主义又怎么让国家这个概念消失呢？

    同时，人类劳动的目的是为了生存，而共产主义社会又是按需分配，从人性的角度出发，人类真的会很自觉的劳动吗？在按需分配的社会人会不会变的更懒惰？这些都是有可能的。

    读到书中的很多情节时，我都种阴森森的感觉，似乎被带入到了小说的情节之中去，我甚至觉得有些害怕。这种恐惧和看惊悚小说而来的恐惧是完全不一样的，我很难描摹，但大致与看《1984》时给我带来的恐惧是相近的，是一种对于未来社会的恐惧吧。

    人类之所以不断进步就是在于大家对于未来的思考、探索，而中国人却非常缺乏这样的精神，所以我们不会有威尔斯，不会有奥威尔，不会有凡尔纳，也不会拍出《星球大战》、《后天》和《2012》。还真希望中国出几个关心人类社会未来的作家和导演。

• 这个审美低俗化的时代，还有没有救了？

  作者：李小丢 发布时间：2020-05-02 10:11:45

  前段时间，所谓喊麦神曲《惊雷》的原唱（抱歉实在是记不住这位大兄弟叫什么名字）对杨坤隔空喊话，说

  「音乐没有高低之分，存在即合理」「能让人感受到快乐的音乐，就是好音乐」

  ，脱离上下文的语境来看，这句话说的冠冕堂皇，没什么大毛病。

  

  但是任何一个稍微有点审美的人，点开《惊雷》听上一分钟，相信都会跟杨坤一样，有种不小心吃了口屎的感觉，杨坤直接懵逼了，说“太难听了，

  这唱的是神马东西

  ，俗气，这就不是一首歌。”

  

  看看《惊雷》这词儿，这是词儿吗？不就是毫无意义的词藻堆砌？就这，还是抄袭了人家某部修仙小说。至于调，抱歉，喊麦基本没调，就是跟着伴奏喊词儿。

  

  那到底，是谁给《惊雷》原唱勇气，让他对杨坤说出「

  比你的任何一首歌都要火。

  」这句豪言壮语的呢？

  大概不是梁静茹，而是抖音快手上成百万上千万用《惊雷》伴奏的短视频吧。

  如果以短视频用作伴奏的数量计，《惊雷》可比周杰伦、四大天王、王菲等天王天后的任何一首作品都要火，更别提贝多芬莫扎特啥的了。

  不独《惊雷》，曾经的网络神曲，《老鼠爱大米》、《最炫民族风》、《小苹果》，再到短视频带火的《学猫叫》，包括杨坤的抖音神曲

  “爱就像蓝天白云，晴空万里，突然暴风雨”

  ，最火的时候，都火到让肖邦沉默，柴可夫斯基落泪的程度。

  可是，真有人以为，这些神曲在当时比历史上的所有经典名曲都要火，就证明它们比经典更有价值，所以值得骄傲吗？

  真是太天真了。

  除了从2018年穿越回来的人之外，现在谁还唱《学猫叫》？

  网络神曲，过时的太快，不过是速朽的方便食品而已。

  人们之所以对《惊雷》原唱居然对杨坤大放厥词的举动反应颇大，其实是对他的极端自信感到一种深深的恐惧。

  当我们在满大街上听到人外放《惊雷》，当我们在现实生活中看到越来越多的网红脸，看到大小银幕上的女演员的脸都逐渐变得硅胶化……

  我们深刻地意识到，原来，无论怎么批判网络神曲和网红脸低俗无美感，但是架不住沉默的多数用脚投票让它们在我们生活中泛滥成灾，渐成主流。

  绝望吗？绝望。

  直到近来无意间翻开意公子的《大话西方艺术史》这本书，我的绝望和焦虑被缓解了很多。

  很多讲艺术史的书籍，往往将重点集中在针对画家生平的描述和对具体作品的解读上，没有很好地将艺术发展嬗变的脉络厘清，往往让读者只知其然，而不知其所以然。

  

  而这本由头号艺术自媒体「意外艺术」积累八年而成的《大话西方艺术史》一书，正好借着西方艺术史上的经典作品梳理了人类对于审美的意识萌生、发展和变化，也解答了我正在迷惑的问题。

  每次看到西方艺术史上浩如烟海的传世名画，人们往往会产生一种感觉，认为之前的时代人们的审美比现在好，要不怎么经典那么多，现在的那些所谓的艺术家们，画的都是些啥！

  当然，这是一种错觉，

  经典的产生，是有时间差的。

  任何时代都有其流行的审美趋势，或者说是审美局限性。

  现在公认的经典未必是当时的流行，比如生前寂寞的梵高，因为审美意识太过超前而不被时人所接受。

  而当时的流行经过时间的检验，能够流传后世成为经典的，少之又少，比如《惊雷》，注定会比它的原唱入土更快。

  不说网络神曲，就连获得过诺贝尔文学奖认可的作家，现在很多人的作品也早就进了故纸堆，渐渐被人所遗忘，例如1925年诺贝尔文学奖得主萧伯纳的剧作，现在少有剧院再排演上映。

  

  △萧伯纳是个一流作家，可当时写出来的剧作，也不过是二流作品，他的剧作与时代贴的太近，缺乏跨时代的人性观察。

  时间是残酷的，也是公正的。

  之所以我们感觉以前的审美比现在好，纯粹是因为以前糟糕审美的东西大都没有留存下来。

  比如艺术史往往会从古希腊古罗马的雕塑，嗖一下蹿到一千年之后的文艺复兴时期，黑暗的中世纪没有艺术吗？

  不能说完全没有，但是中世纪的文盲率很高，教廷的意志又空前强大，束缚着人们的创造力和想象力，当时的艺术品只能创作宗教题材，而且由于基督教教义规定「

  禁止偶像崇拜」

  。所以古希腊和古罗马雕塑，例如《拉奥孔》中将人的情绪淋漓尽致的表现出来的手法也不再被允许。

  

  △即便不了解《拉奥孔》的故事背景，也能从人物恐慌、挣扎、绝望的表情和动作中感受到故事的氛围，从而被雕塑传达的情绪所感染。

  中世纪的宗教画上人物都是相似的，五官扁平，表情呆滞，完全没有灵气，目的只是让民众通过画中描绘的宗教故事感受到神的伟大，而不是画作本身优秀与否，这种当时由上而下制造的审美趋势带动大规模

  「流行」

  的艺术品，也就很难再被后人所认可了。

  

  △中世纪镶嵌画《面包和鱼的奇迹》

  这充分说明，审美的发展，和历史的发展一样，并不是一直向前的，甚至不是曲折向前的，它经常会倒退，会复辟。

  比如现在流行的不开美颜不修图就不发自拍的行为，古已有之。

  伦勃朗的《夜巡》背后的故事大家并不陌生，之所以让定制此画作的民兵队员们感到不满，不仅因为伦勃朗运用光线造成了强烈的明暗对比，挑战了人们对传统绘画理念的认知，更重要的是，如果将伦勃朗比作一名摄影师，客户对他最不满的，是他的后期美化效果不符合期待。

  据意公子的分析，17世纪的荷兰不仅流行个人肖像画，政府、企业和民间的各种小团体也很流行定制集体肖像画，就类似于我们现在的毕业大合照。

  大合照的要求是什么呢？

  不求把每个人照的多漂亮，但是每个人的脸你得拍清楚吧，每个人所占的空间大小也差不多。

  最开始，伦勃朗就是靠集体肖像画走红的，那副画叫《尼古拉斯·杜尔博士的解剖学课》，他创新性地选取了老师和学生们上课的一瞬间进行绘画，捕捉到每个人的不同神态，他们没有再呆板的正面面向镜头，而是在个人面容清晰的基础上呈现出了鲜明的个性，让一件命题作品成为了不朽的艺术品。

  

  这样的创新是被当时的审美所接受的，但是《夜巡》里再进一步的尝试却成为了伦勃朗命运的转折点，是因为在那张“大合照”里，所有人都花了一样的钱，但是有的人被聚光灯选中成为了画中的主角，有的人却因为光线太暗几乎连脸都看不清，成为背景板的人肯定不高兴了。

  

  他们并没有将自己的肖像画上升为艺术品的期待和觉悟，他们只是抱着去照相馆拍了张集体照的想法，评价的标准很简单：

  我占据的空间多一些、显得好看一些的照片就是好照片。

  如果现场拍的不好，摄影师后期给调调亮度，加个滤镜，让我变得醒目点、好看点不行吗？

  对审美有追求的伦勃朗拒绝了，客户拒绝付款并给他打了个差评。

  你说谁冤呢？回到当时的情境里，其实大家都很冤，因为出发点不一样，就像现在的摄影师给明星拍时尚大片，你想拍的艺术点吧，但是人家只是拼命要求你给她P白点、P瘦点，下巴P尖点，因为流行的审美就这样，我哪管艺术不艺术的事儿呢？

  大家都被流行的审美所绑架，正同当时民兵团的成员和《惊雷》的原唱都以为自己是真理在握的一方，只有时间能够证明，伦勃朗和杨坤才是正确的一方。（当然杨坤自己的音乐在历史长河里的位置也并不会比《惊雷》高出太多，但他起码懂什么是音乐，什么连音乐的门都还够不上。）

  意公子在书中也回答了

  「音乐没有高低之分，存在即合理」

  这种论调，虽然我们常说艺术是人的主观感受，本身不该有优劣之分，但凡能打动你的，让你感到快乐或痛苦的，对你个人而言就是好作品。

  但是，人类的文明进程中有数不清的作品，大到被拍出天价的梵高莫奈等人的油画，小到学童的随笔涂鸦，怎么可能没有高低好坏之分呢？

  究竟什么才算是公认的艺术，公认的优秀作品呢？

  以达芬奇的《蒙娜丽莎》为例，对于蒙娜丽莎似笑非笑的神情，五百多年来没有统一的定论，她的表情似乎会随着观看者心情的变化而变化，有时感觉在笑，有时感觉微笑中透露着悲伤，有时感觉她的嘴角似乎藏着一丝嘲讽。

  

  这源于达芬奇的“明暗渐隐法”给人造成的视觉差异，科学家在采用技术手段探测后发现，蒙娜丽莎的眼角和嘴角竟然有将近40层的超薄油彩。薄到什么程度？

  每层油彩的厚度不到两微米，相当于头发丝直径的五十分之一。

  人们猜测，达芬奇是将这些油彩涂在手指上，再用手指逐层晕染到画布上，这两处轮廓模糊，由暗到亮的过渡连续而自然，没有清晰的分界，所以画中人的表情就介于似笑非笑之间。

  用今天的自拍照的流行趋势来衡量，《蒙娜丽莎》是明显不合格的，她不够白不够瘦，没有瘦脸开大眼角，没有粉嫩的口红腮红，更没有萌萌哒特效，甚至还有个圆润的双下巴，但是蒙娜丽莎让人感受到人的情绪，人的魅力，甚至人的灵魂，令人着迷，神往，想要一再探究，而不是一个肤浅的

  「好看」

  可以涵盖的。

  这是因为，一件能被成为经典的艺术品，离不开作者反复打磨的技巧和精妙的想象力，它能调动受众的情绪和想象力，甚至超越了时间、空间、国别和语言的界限，用令人震撼的极致美感直击心灵。

  这就是艺术长盛不衰的魅力所在，也是衡量一件作品能不能达到艺术品的基本标准。

  所谓的

  「美」

  ，从来不是一成不变的，任何时代都会有低俗的审美和高雅的审美之间的冲突，每个时代的人，可能都会哀叹这是个最坏的时代，是个礼崩乐坏的时代，但是没关系，在低俗的审美之外，永远有坚持艺术创作的人，在为我们和后世的人，留下经典的作品。

  我们能够做的，就是尽量支持那些我们喜欢的东西，早就有人说了，喜欢什么，不要默默喜欢，因为讨厌它的人不会默默讨厌，

  你的每一次发声和支持，都是在为你喜欢的世界投票。